Аркадий Пластов: картины, которые возвращают нам чувство дома 🤍

Аркадий Пластов: картины, которые возвращают нам чувство дома 🤍

   октября 20, 2023       departamento de ruso - eoi1 Zaragoza

---

«Первый снег» (1946)

Есть художники, чьи работы можно назвать богословием в красках, у Пластова скорее — славословие в красках. Его влечет все отрадное, укоренённое в добротной, щедрой, слаженной жизни. Не то чтобы он не замечал ничего горького и отравленного вокруг, но ему внутренне соприроден свет. Он чувствует радость в простом, житейском, в подчеркнуто бытовых, прозаических сюжетах без всяких мистических туманностей и изломанностей.

«Вот вы много ходили с Аркадием Александровичем по полям, по лесам, о чем вы говорили?» — спросили ученика и друга Пластова, Виктора Киселева. Он ответил: «Радовались. Вместе радовались красоте, окружающей нас». Кажется, его душа вмещала это евангельское да радость Моя в вас пребудет… 

Может быть, поэтому в пластовском мире как-то по-домашнему тепло, в нем гармоничная ясность и одновременно таинственность и сила.

❄ Чудесная зарисовка зимнего дня в картине «Первый снег»: дети выскочили на крыльцо, девочка едва одета, она радостно подставляет лицо летящим снежинкам, и эта детская радость такая узнаваемая и живая, что каждый вспоминает тот восторг, когда хочется замедлиться, глядя, как первые снежинки укутывают мир.

То, что пишет Пластов, — это не какая-то вымечтанная идиллия, и точно не летопись советской жизни с героическими восклицаниями. Для чьего-то восприятия он останется на уровне бытописания, пусть поэтичного и красивого. А для кого-то в его работах, в которых впрямую нет христианского обрамления, откроется надбудничное, глубокий и мудрый ход жизни, переход в область вневременных бытийных смыслов.

🖌Аркадий Пластов: «Я работал, задыхаясь от счастья»

Сенокос (1945)

Я, когда писал эту картину, все думал: ну, теперь радуйся, брат, каждому листочку радуйся – смерть кончилась, началась жизнь.

«Родник», 1952

Читать далее

Пабло Пикассо. Девочка на шаре.

Пабло Пикассо. Девочка на шаре.

   октября 07, 2023       departamento de ruso - eoi1 Zaragoza

---

Пабло Пикассо

Девочка на шаре(1905).

Холст, Масло. 147 × 95 см

Пушкинский музей, Москва

«Я не пишу с натуры, я пишу при помощи натуры…Я изображаю мир не таким, каким его вижу, а таким, каким его мыслю»,- так говорил Пабло Пикассо.

Пабло Пикассо выпало творить в 20 веке, веке художественных экспериментов, как и многие художник-современники он находился в постоянном поиске. Все его творчество условно делят на несколько периодов.

Первый – «голубой» период, названный так по практически синим картинам, холодным и грустным. В это время Пабло переехал из Испании в Париж, оказался без денег, друзей, дома.

Было серьезное увлечение кубизмом, художник прорывает оболочку видимого и пытается найти основу каждой вещи. Он разбирает предмет на части, как ребенок игрушку, надеясь отгадать ее секретик и потом заново собирает, ну тут ужу как получится, не взыщите.

Во время Первой мировой войны был период классицизма, его еще называют энгровским. Сюрреализм также не был обойден художником, словом даже вот такое сухое перечисление направлений живописи дает представление об активном творческом поиске Пабло Пикассо.

Я не упомянула «Розовый» период специально, оставила его напоследок, потому как Девочка на шаре относится как раз этому самому романтическому периоду в творчестве Пикассо. Хронологически он следовал за Голубым, когда жизнь в Париже наладилась. И сразу из картин художника исчез холод, они засветились нежными розовыми тонами.

Часто Розовый период называют еще и периодом Бродячих комедиантов. Пикассо по нескольку раз в неделю посещает цирк Медрано неподалеку от «Плавучей прачечной»- общежития, где он поселился и где встретил свою любовь, натурщицу Фернанду Оливье.

Видимо, гармония в душе художника нашла отражение и в его работе. Двое цирковых гимнастов репетируют номер. Хрупкая девочка в гимнастическом трико балансирует на шаре. Ее пластичная поза говорит нам, что это дается ей пока еще нелегко, хотя улыбка на ее губах и спокойное лицо придают уверенности и нам и ей.

И как противовес неустойчивости рядом на кубе сидит атлет, его поза как раз конкретно обстоятельная и непоколебимая. Кажется, что ничто не может сдвинуть с места этого силача.

В картине есть противопоставление (куб и шар, сила и грация), но эти две ипостаси все-таки объеденены. Они вместе, они гармоничны, они дополняют друг друга.

Главные персонажи изображены на фоне некой пустынной холмистой местности, среди холмов видна гуляющая женщина с маленькими детьми, собака и пасущаяся белая лошадь.

Хотя пейзаж совершенно не привлекателен, он не вызывает у нас беспокойства, негативного впечатления. Он также очень гармоничен в своей неприхотливости, выглядит так, как может выглядеть неопределенность и в то же время конкретность. Такая местность принадлежит вечности.

Читать далее

Владимир Федорович - известный «неизвестный» художник

Владимир Федорович - известный «неизвестный» художник

   ноября 10, 2022       departamento de ruso - eoi1 Zaragoza

---

 

На крыльце (1916)

Ещё один певец российской природы... Казалось бы, тысячи произведений с изображениями видов природы и ее состояний прошли перед глазами - можно и пресытиться. Но нет, появляется новое имя со своими творениями - и вновь рассматриваешь, хмурый ли день, или ручеек, или еще что-то знакомо-незнакомое, проникаешься новыми чувствами или их нюансами, новыми небольшими открытиями и красками художника. Подобное исходит и от работ В.Н. Фёдоровича... ФЕДОРОВИЧ ВЛАДИМИР НИКОЛАЕВИЧ [1871 - 1928]. Владимир Федорович - известный «неизвестный» художник.

 

ПЕЙЗАЖ С ГУСЯМИ (1922)

Его картины вроде бы нельзя назвать работами «неизвестного» художника: те, что встречаются на антикварном рынке, подписаны — многие и датированы. Но что мы можем вспомнить о нем, прочитав в правом нижнем углу подпись «Вл.Федоровичъ» и дату «1917» ? Почти ничего. Так что, по сути, для многих Федорович остается «неизвестным» художником.

Учился в Одесской рисовальной школе, в Императорской Академии художеств в Петербурге (1894 – 1900) у А.И. Куинджи и А.А. Киселева.

Осеннее крыльцо

В 1900-1919х гг. экспонировался на Весенних выставках Академии художеств, на выставках Товарищества передвижных художественных выставок (1916), выставках Московского общества любителей живописи.

В советское время участвовал в Первой свободной выставке (1919), выставках АХХР, Юбилейной выставке изобразительного искусства. Занимался декоративной и церковной живописью (в Саратовском соборе).

Преподавал в Рисовальной школе петербургского Общества поощрения художеств и в созданном на его базе в советское время художественно-промышленном училище.

Продолжал пейзажные традиции И.И. Левитана и А.И. Куинджи.

На мостках (1923)

Активный член общества А. Куинджи, Общества русских художников. Работы художника находятся в музее Академии художеств, в музеях Краснодара, Таганрога, Саратова.

Биографические сведения о мастере скудны, творческое наследие — немногочисленно. Работы Федоровича экспонировались наряду с произведениями Ю.Ю.Клевера, И.И.Бродского. Б.М. Кустодиева и других известных художников.Совершенно неизвестна личная жизнь В.Федоровича, даже дата его смерти под вопросом. Возможно, со временем появятся новые сведения, касающиеся его жизни и творчества. Всего за свою творческую жизнь Федорович участвовал в более чем 50 различных выставках, где представил на суд публики свыше 200 своих работ. 

Портрет с васильками

На берегу реки

Надеюсь, и вам понравится подборка работ этого великого (как мне кажется), но немного забытого художника.

автор текста: Гулуса Басирова

Читать далее

Guerra y paz en el arte ruso

Guerra y paz en el arte ruso

   мая 24, 2022       departamento de ruso - eoi1 Zaragoza

---

ВОЙНА И МИР в русском искусстве

Kazimir Malévich. Caballería Roja. c. 1932. © Museo Estatal Ruso de San Petersburgo.

A lo largo de los siglos, las guerras, al igual que las epidemias y las malas cosechas, han sido compañeras inseparables de la humanidad. Por medio de las guerras se han creado y destruido Estados; se han fusionado, han nacido y desaparecido naciones. Estas se percibían por la mayoría de la gente como una parte natural de la existencia histórica y ejercieron una gran influencia en todos los aspectos de la sociedad, incluida la cultura. Las hazañas militares —reflejadas en la literatura, el arte y la arquitectura— proporcionaron a los contemporáneos y a la posteridad ejemplos dignos de emulación. En su famosa novela Guerra y paz, Lev Tolstói, que denunció la violencia en la política, mostró esos opuestos —los del título de esta exposición— como dos aspectos esenciales de la vida social, que a menudo coexisten en el mismo espacio temporal. La realidad de las guerras napoleónicas, tal y como la describió Tolstói, podría extrapolarse a toda la historia de Rusia, que ha conocido pocos periodos de paz. Y un espejo de esta historia es el arte, en el que, incluso en temas muy alejados de la temática militar, pervive el recuerdo de las gestas heroicas y las trágicas pérdidas.

POLIDOR BABÁIEV. La heroica hazaña de Leonti Korennoi, granadero del regimiento de la Guardia Lieb de Finlandia, en la batalla de Leipzig en 1813. 1846. Óleo sobre lienzo. 172 x 215

Los motivos militares ya estaban muy extendidos en la cultura rusa durante la Edad Media, en la pintura de iconos. El panteón ortodoxo incluía todo un ejército de santos guerreros liderados por el arcángel Miguel. El más popular fue San Jorge el Victorioso, cuya imagen, con el paso del tiempo, llegó a decorar la principal orden militar del Imperio ruso: la Orden de San Jorge. San Nicolás el Taumaturgo, que calmó una tormenta marítima gracias a una oración, acabó por convertirse en el santo patrón de la Marina rusa. Y en el icono de la Virgen el pueblo depositaba sus esperanzas cada vez que había que repeler una invasión enemiga. En 1721 Rusia se convirtió en un imperio. Libró numerosas guerras, expandió y fortificó sus fronteras. En la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo, fundada en 1757, se desarrolló una gran variedad de géneros, desde los más «pacíficos», como los paisajes y los bodegones, hasta las pinturas de batallas que glorificaban los ejércitos rusos. Artistas alemanes y franceses estrechamente vinculados con Rusia desempeñaron un papel destacado en la formación y el desarrollo de la escuela nacional de pintura de batallas. Entre ellos figuran Gottfried Willewalde, Theodor Horschelt, Aleksandr Kotzebue, Adolph Charlemagne, Franz Roubaud y Rudolf Frentz. POLIDOR BABÁIEV. La heroica hazaña de Leonti Korennoi, granadero del regimiento de la Guardia Lieb de Finlandia, en la batalla de Leipzig en 1813. 1846. Óleo sobre lienzo. 172 x 215 Entre los escultores que se dedicaron a los temas militares, fueron especialmente famosos Piotr Klodt y Yevgueni Lanceray. Un brillante maestro del retrato militar fue el inglés George Dawe. En la segunda mitad del siglo XIX, los artistas rusos, relacionados sobre todo con la escuela realista rusa, pasaron a ocupar un lugar preponderante en el género de la pintura de batallas. En sus lienzos se representaban no los aspectos gloriosos de la guerra, sino los trágicos (Vasili Vereschaguin, Konstantín Savitski), y subrayaban su aspecto cotidiano. Esta mezcla de «guerra» y «paz» se convirtió en un rasgo distintivo de las obras de Bogdán Greim, Piotr Gruzinski, Nikolái Karazin, Pável Kovalevski, Vasili Polénov, Konstantín Filíppov, Nikolái Shilder y otros artistas.

PÁVEL FILÓNOV. La guerra alemana. 1914–1915. Óleo sobre lienzo. 171,5 x 156; 175 x 161

El arte de Europa occidental ejerció una gran influencia en la pintura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX. Es cierto, de igual forma, que los artistas rusos, con sus audaces experimentos, enriquecieron de manera sustancial el lenguaje del arte moderno europeo. Todos los movimientos artísticos, incluidos el neoclásico (Kuzmá Petrov-Vodkin) y los vanguardistas (Aleksandr Drevin, Pável Filónov), reaccionaron de forma enérgica a la catástrofe de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). En su percepción de la guerra, el pacifismo de Tolstói triunfó abrumadoramente sobre el patrioterismo oficial, y esto fue un presagio de los inminentes cambios sociales que proclamó la Revolución de Octubre en 1917. El rumbo hacia la construcción de una sociedad comunista y de la revolución proletaria mundial, anunciado por el gobierno soviético, encabezado por Vladímir Lenin, armonizaba con las aspiraciones innovadoras de los artistas vanguardistas. En la cultura soviética de los años posrevolucionarios se desarrollaron aún más los experimentos artísticos, que crearon una página destacada en la historia del arte (obras de Kazimir Malévich, Sofia Dímshits-Tolstaia, Aleksandr Labás, Izrail Lizak, Yuri Jrzhanovski y otros). Rusia se revela como un único campo de trabajo y militancia. En la década de 1930, cuando se agotó el empuje revolucionario, el arte del realismo socialista volvió a conceder importancia al método naturalista. Además de retratos de líderes y jefes militares, en numerosas exposiciones se mostraron escenas de la reciente guerra civil (Mitrofán Grekov, Serguéi Guerásimov, Rudolf Frentz), así como imágenes de obreros y jóvenes entregados no solo al trabajo pacífico y al estudio, sino también al entrenamiento militar, imprescindible para las siguientes batallas contra los enemigos del primer Estado socialista del mundo (Serguéi Luppov, Aleksandr Samojválov).

La experiencia artística de las décadas posrevolucionarias estuvo muy requerida durante la Gran Guerra Patria (o Gran Guerra Patriótica). La batalla de Moscú y Stalingrado, la defensa de Sebastopol y el sitio de Leningrado, la toma de Königsberg y la de Berlín… Todos estos acontecimientos se representaron en los cuadros de los principales pintores soviéticos. Especialmente dolorosas fueron las obras de Yaroslav Nikoláiev, Nikolái Rutkovski o Aleksandr Rusakov, que trabajaron en la Leningrado asediada. Al mismo tiempo, los artistas recurrieron a las figuras históricas de Alejandro Nevski (Vladímir Serov), Iván el Terrible (Pável SokolovSkaliá) o los héroes de la batalla de Kulikovo (Mijaíl Avílov). La Gran Guerra Patria perduró en la memoria de la gente. Su recuerdo, el de sus héroes y el de sus víctimas, se mantiene vivo aún hoy en todas las familias. No es de extrañar que en las décadas de posguerra los artistas soviéticos, incluidos los más destacados (Gueli Kórzhev, Borís Ugárov, Andréi Mílnikov), crearan un gran número de cuadros repletos de reflexiones sobre los destinos humanos y lo inadmisible que sería que se repitiera lo ocurrido.

GUELI KÓRZHEV. Los adioses. 1967. De la serie «Abrasados por el fuego de la guerra». Óleo sobre lienzo. 200 x 200

Kuzma Petrov-Vodkin. En la línea de fuego. 1916. ©Museo Estatal Ruso de San Petersburgo

Kuzma Petrov-Vodkin. Inspección del regimiento de Izmáilovo antes de su partida al frente. 1916. ©Museo Estatal Ruso de San Petersburgo

Nikolái Kuznetsov. De permiso. 1882. ©Museo Estatal Ruso de San Petersburgo

Alekséi Kivshenko. Asalto a las alturas fortificadas de Gorgokhotan el 1 de enero de 1878. 1886. ©Museo Estatal Ruso de San Petersburgo

Sofia Dímshits Tolstaia. Paz a las chozas, guerra a los palacios. 1919-1921. ©Museo Estatal Ruso de San Petersburgo

Fuente: https://www.coleccionmuseoruso.es/exposicion/guerra-paz/

Esta ha sido la última exposición del Museo Ruso de Málaga con cuadros u obras de arte del Museo Ruso de San Petersburgo.

Desde el blog deseamos de todo corazón que se restaure la paz, que seamos los europeos quienes  tomemos las riendas de nuestro futuro y lo hagamos por el camino de la concordia y la solidaridad. Que nuestra única arma sea la voz dialogante.

Читать далее

Сергей Виноградов

Сергей Виноградов

   февраля 25, 2022       departamento de ruso - eoi1 Zaragoza

---

Сергей Арсеньевич Виноградов (1869-1938), талантливый русский художник, мастер импрессионистского пейзажа и «интерьерных» работ.

Особенности творчества художника: картинам Виноградова присуще обилие воздуха и света и общее радостное настроение. Считается одним из представителей русской импрессионисткой живописи, но в последний период творчества вернулся к традициям реализма.

Судьба Сергея Виноградова сложилась удачнее, чем у многих других русских художников рубежа XIX и XX веков. Он прожил счастливую жизнь, получил признание, не голодал даже в первые послереволюционные годы, повидал мир и оставил после себя множество благодарных учеников. А после смерти был практически забыт. Советские историки искусства о Виноградове, который последние 15 лет провел в Латвии, вспоминали редко. Интерес к художнику возродился в перестроечные годы, когда его картины стали «всплывать» на русских торгах Christie’s и Sotheby’s и уходить с молотка за внушительные суммы.

В ДОМЕ (1912)

Поэзия усадебной жизни с прелестью ее неспешного уклада, милыми приятностями дня, неспешными разговорами за чаем с вареньем - эта эстетика привлекала многих художников Серебряного века. Одним из главных среди них был Сергей Арсеньевич Виноградов.

В целый цикл складываются созданные им работы, выполненные в имении Всеволода Саввича Мамонтова - Головинка, в котором художник гостил подолгу на протяжении 10 лет. Как отмечал сам художник, «Головинка – красивейшая усадьба, поэтическое дворянское гнездо... <…> Перед домом чудесный цветник, много роз, за которыми, помимо садовника, ухаживала красивейшая из женщин – хозяйка, сама похожая на розу. Сад кончался газонами и переходил в живописный парк, по обе стороны дорожки были большие ряды с цветами-маттиолами, совсем днем невидными, начинающими жить только с вечера до утра. В сумерки вдруг они посылают волнующий аромат и такой сильный, что приносится издалека он к дому, к балкону, на котором сидишь в обществе очаровательной женщины- розы».

Бывая у Мамонтовых в Головинке Виноградов любил писать интерьеры дома – так, в целом ряде произведений можно увидеть гостиную с характерными оливково-синими обоями в полоску, узнаваемыми шторами и мебелью. Картина «В доме» (1912) композиционно художником решена так, будто мы наблюдаем за сценой, войдя случайно в комнату. Девочка склонилась над круглым столиком, где яркими пятнами манят разноцветные фрукты в вазе. Ее фигурка в синем платьице, косички с бантиками - сам образ детства, так трогательно прочувствованный и нежно переданный Виноградовым, невольно вызывает улыбку умиления. Мастер, «Сергеюшка», как называли его в семье, был «ближе многих родственников» и девочек Катю и Соню, дочерей Мамонтова, знал с малых лет.

Воспоминания Софьи Мамонтовой, написанные уже много лет спустя, хранят теплые истории о пребывании художника в Головинке. Сам же Виноградов, попав после революции в имении, увидел лишь каменный остов: «железная крыша содрана, рамы, полы – все выдрано, почему-то остался нетронутый паркет в гостиной». Такова судьба многих имений, опустевших «дворянских гнезд», не выдержавших хлыста революций, и лишь некоторые полотна могут воскресить те счастливые мгновения жизни:

«В господском доме тишина

Все сохранилось, как и было

Тогда, в былые времена,

Когда по-барски барство жило».

БАБЫ (1894)

В картине «Бабы» также проявлены характерные черты, свойственные живописному стилю мастера. Жанровые композиции Виноградова отличает яркая импрессионистическая манера письма. Многочисленные натурные штудии, над которыми художник работал в разных уголках окрестных деревень Харькове, позволили ему с убедительностью передать в изображенной сцене нюансы естественного освещения.

В УСАДЬБЕ (1909)

На даче (1932)

Купола Успенского собора/Псково-Печерский монастырь

источник: Сергей Арсеньевич Виноградов

Читать далее

Cчастье, любовь, нежность

Cчастье, любовь, нежность

   февраля 13, 2022       departamento de ruso - eoi1 Zaragoza

---

 

Леонид Баранов

Художник Леонид Павлович Баранов. Родился в 1955 году в Каргапольском зерносовхозе Курганской области. Жил в Долматово, Краснотурьинске, Ноябрьске, Первоуральске сейчас живёт и работает в Екатеринбурге.

В 1984 году закончил Свердловское художественное училище им. Шадра, живописно-педагогическое отделение...учителя Кисляковский В.В., Киселёв Ю.К., Маос Н.Н.

Работал в школе искусств, Свердловской киностудии, в мастерских «Росмонументискусство». С 1987 года - свободный художник. Участник нескольких персональных выставок и множества коллективных.

Основная тема творчества: русская деревня и её люди.

Читать далее

Девочки с персиками-Валентин Серов

Девочки с персиками-Валентин Серов

   января 22, 2022       departamento de ruso - eoi1 Zaragoza

---

 

Написана в 1887 году, хранится в Государственной Третьяковской галерее.

"Niña con melocotones" Valentín Surov(1887) en la galería Tretiakov.

Судьба девочки с персиками.

Картину Валентина Серова «Девочка с персиками» видели даже очень далекие от искусства люди. Многие знают, что прототипом героини сюжета стала 11-летняя Вера Мамонтова – дочь известного предпринимателя и мецената Саввы Мамонтова. Однако мало кому известно, что девушку и её семью ждала трагическая судьба.

Серов был другом семьи Мамонтовых и часто гостил у них в доме. А «Девочку с персиками»,он написал когда ему было всего 22 года. Весной 1887 года он возвращался домой из Италии и остановился отдохнуть в имении Мамонтовых: художник давно дружил с семьёй мецената, дружил с дочками Саввы, особенно с Верой. Однажды он увидел Веру, которая, запыхавшись от веселых уличных игр, забежала в дом и схватила персик. Художник сразу же захотел написать её портрет.

Позже автор делился, что во время создания картины он часами заставлял девочку сидеть неподвижно, упустив струю свежести, которую мечтал вдохнуть в своё творение.Вера была непоседливым ребёнком, ей трудно было усидеть на одном месте. Но Серов всегда умел найти нужные слова, чтобы уговорить девочку позировать: «Я тебя такой красавицей напишу, вот увидишь, ещё лучше будешь, чем в жизни!». Работа длилась несколько месяцев, в течение которых мастеру пришлось изрядно потрудиться, так как работа шла медленно.

«Всё, чего я добивался, – это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил её, бедную, до смерти». - вспоминал художник.

Серов работал в столовой, за окном которой был виден Абрамцевский парк. В соседней Красной гостиной любили собираться гости, в основном, писатели и художники.

Кленовые листья художник нарисовал как символ осени, так как он начал картину в разгар лета, а завершил лишь в сентябре.

Картину Серов подарил Елизавете Мамонтовой, матери Веры, и портрет долгое время висел в той комнате, где и был написан. Позже картина попала в Третьяковскую галерею, а в Абрамцево осталась копия. После "Девочки с персиками" о Серове заговорили, и вскоре он стал одним из самых модных портретистов. Но как же сложилась дальнейшая судьба самой Веры Мамонтовой? Вера повзрослела. Через несколько лет после Серова её портрет написал Васнецов: она назвал свою картину «Девушка с кленовой веткой». Верочке она понравилась, и она очень просила художника, чтобы он подарил ей удачный портрет. Васнецов пообещал — при условии, что она выберет себе в мужья достойного человека, и обязательно русского, ведь портрет получился настоящим гимном русской женской красоте, негромкой, неяркой, но такой душевной. И Вера, как обещала, вышла замуж за русского мужчину — предводителя московского дворянства Александра Дмитриевича Самарина, очень уважаемого и солидного человека. Васнецов так объяснял желание художников писать ее: "Это был тип настоящей русской девушки по характеру, красоте лица, обаянию". 

El destino de Vera Mamontova

Este cuadro de Valentín Serov "Niña con melocotones" es muy conocido y ampliamente visitado en la Galería Tretiakov. La niña protagonista  de la obra es Vera Mamontova, tenía 11 años cuando Serov la retrató y era hija del conocido empresario y filántropo Savva Mamontov. La historia de Vera es menos conocida que el cuadro y viendo la frescura de su rostro casi infantil, es difícil de imaginar el trágico destino que le esperaba. 

Serov era amigo de la familia Mamontov y visitaba con frecuencia su casa. En la primavera de 1887, Valentín, un joven de 22 años, regresaba a su casa desde Italia y se detuvo a descansar en la finca de su amigo, la amistad con el mecenas venía de años atrás y el pintor conocía a su familia. Un día, Vera entró en la casa corriendo después de jugar en el jardín, cogió un melocotón y Serov inmediatamente quiso inmortalizar el momento. 

Mantener quieta a Vera, que era una niña inquieta, no le resultó fácil, tuvo que buscar frases convincentes para persuadirla de que posara durante horas.

"Todo lo que yo quería era frescura, esa frescura especial que existe en la naturaleza y no se ve en los cuadros" - decía Serov.

Serov trabajaba en el comedor, por la ventana veía el parque Abramtsevsky y en el vecino salón rojo se reunían invitados normalmente escritores y pintores.

Los melocotones de la mesa reposan en hojas de arce, es un símbolo de otoño ya que comenzó el cuadro en verano pero lo terminó en Septiembre. 

Serov regaló el cuadro a Elizaveta Mamontova, la madre de Vera, y éste colgó durante mucho tiempo en la habitación donde fue pintado. Más tarde, la pintura terminó en la Galería Tretyakov y una copia permaneció en Abramtsevo. Después de pintar "La chica de los melocotones", Serov empezó a ser conocido y pronto se convirtió en un  retratistas de moda. Pero, ¿cual fue el destino de la propia Vera Mamontova? La joven ha crecido. Unos años después  Vasnetsov pintó otro cuadro con  Vera como protagonista "Joven con una rama de arce". A Verochka le gustaba, y le pidió al artista que le regalara el retrato. Vasnetsov le prometió, con la condición de que eligiera un hombre digno y ruso como  esposo. Y Vera, como prometió, se casó con un hombre ruso: el líder de la nobleza de Moscú, Alexander Dmitrievich Samarin, una persona muy respetada. Vasnetsov explicó el deseo de los artistas de pintar a Vera: "Era el prototipo de una auténtica niña rusa en carácter, belleza de su rostro, encanto".  El vestido de novia de Vera es el mismo con el que fue retratada en el cuadro de Vasnetsov.

"Девушка с кленовой веткой" Васнецов(1896)
"Joven con rama de arce" Vasnetsov(1896)

Васнецов сдержал слово: подарил Верин портрет молодой семье, и «Девушка с кленовой веткой» заняла почётное место, над письменным столом Самарина.

Правда, пожениться влюблённым удалось не сразу: отец Самарина почему-то был против этой свадьбы, считая дочь предпринимателя недостойной партией для своего сына, потомка дворянского семейства. Так что Александр Дмитриевич, не желая огорчать отца, женился на Верочке только после его смерти.

Брак был очень счастливым, но недолгим. Вера родила троих детей, но в 32 года её жизнь внезапно оборвалась. Молодая женщина за несколько дней сгорела от сильнейшего воспаления лёгких. Горе родных было огромным. Никто не ожидал, что молодая цветущая женщина так рано покинет этот мир, ведь ей было всего 32 года. Они с Александром собирались приехать на Рождество в Абрамцево к Вериным родителям, привезти малышей, провести весёлые семейные праздники в круг самых близких... В окружении Мамонтова шептались: неспроста Верочка умерла так рано, не надо было Врубелю писать с неё иллюстрацию к лермонтовскому «Демону» под названием «Тамара в гробу»...

Vasnetsov cumplió su palabra y "Joven con una rama de arce" ocupó un lugar privilegiado, sobre el escritorio de Samarin.

Es cierto que los amantes no lograron casarse de inmediato: por alguna razón, el padre de Samarin estaba en contra de esta boda, considerando que la hija del empresario era una pareja indigna para su hijo que descendía de una familia noble.  Alexander Dmitrievich, que no quería molestar a su padre, se casó con Verochka después de su muerte.

El matrimonio fue muy feliz, pero de corta duración. Vera dio a luz a tres hijos, pero a la edad de 32 años su vida se truncó repentinamente. La joven mujer se consumió en pocos días debido a una neumonía grave. El dolor de la familia fue enorme. Nadie esperaba que una joven floreciente dejaría este mundo tan temprano, pues solo tenía 32 años. Ella y Alexander iban a ir a ver a los padres de Vera en Navidad en Abramtsevo, iban con los niños para pasar unas divertidas vacaciones familiares con sus seres más cercanos. En el círculo de los Mamontov se comentaba: hay una razón por la que Vera murió tan temprano, Vrubel no debería de haberla pintado en la tumba para las ilustraciones de la serie "El Demonio".

Vera no solo inspiró a Serov y Vasnetsov, otros pintores la retrataron. Repin y Vrubel,  que frecuentaban Abramtsevo pintaron a Vera. Vrubel dio a Tamara los rasgos de Vera en los dibujos de Tamara y el diablo.

Тамара в гробу. М. Врубель (1891).

Tamara en la tuma. Mixail Vrubel(1891).

Свидание Тамары и демона. М. Врубель (1891).
Despedida de Tamara y el demonio. Mixail Vrubel (1891).

Заботы о троих маленьких детях Веры взяла на себя её сестра Александра: она стала для них ласковой матерью. Александр Дмитриевич так и больше не женился — ни одна женщина не могла для него сравниться с обожаемой Верочкой, а в её честь он построил неподалеку от их поместья храм Троицы Живоначальной, который был разграблен во время революции 1917 года и использовался в качестве склада. Сейчас он вновь восстановлен. В ходе сталинских репрессий муж Веры Мамонтовой был сослан в лагерь в 1920-е. А умер он в Костроме в 1932 г. вскоре после освобождения.

Los tres hijos de Vera fueron cuidados por su hermana Alexandra: ella se convirtió en una madre cariñosa para ellos. Alexander Dmitrievich nunca se volvió a casar, ni una sola mujer podría compararse con su adorada Verochka, y en su honor construyó la Iglesia de la Trinidad  no lejos de su propiedad, la iglesia  fue saqueada durante la revolución de 1917 y utilizada como almacén. Ma´s adelante fue restaurada. Durante las represiones estalinistas, el esposo de Vera Mamontova fue exiliado a un campo en la década de 1920. Murió en Kostroma en 1932 poco después de su liberación.

Autorretrato de Valentín Serov

El 19 de Enero de 1865 nació Valentín Serov, pintor y artista gráfico ruso. Su padre, Alexander Serov, fue crítico musical y compositor, y su madre, Valentina Serova (Bergman), fue pianista y la primera mujer compositora en Rusia. La madre se dio cuenta del talento de su hijo y lo llevó a estudiar con Ilya Repin.

Repin decía de su alumno que : “Se sumergió en su trabajo con tal olvido de sí mismo que a veces le obligaba a dejarlo y refrescarse en el balcón frente a mi gran ventana. Había dos personas dentro de Serov, el niño que saltaba con la brisa y jugaba y el niño serio como  diez años mayor que movía su pincel con decisión y audacia"

La fama le llegó a Serov con la pintura "Niña con melocotones" y "Niña iluminada por el sol". 

Niña iluminada por el sol. Valentín Serov(1888)

La protagonista de este retrato romántico es una prima de Valentín, Masha Simonovich. Serov estaba  interesado en ver cómo la luz del sol que penetra a través del follaje de un árbol cambia el color de una blusa blanca, haciéndola multicolor. cómo calienta las mejillas de Masha y las vuelve sonrosadas.

Para lograr el contraste y enfatizar esta luz juguetona, la niña está apoyada en la corteza oscura. El retrato fue pintado a lo largo de tres meses de verano.

Masha Simonovich se casó con el psiquiatra Solomon Lvov, como él era un emigrante político, vivían en París. Su hijo Andrei ganó el Premio Nobel de Biología.

Una vez, en 1935, un ingeniero ruso estaba de visita en París en casa de Solomon. Sobre la mesa colgaba un calendario con una reproducción de la "Niña iluminada por el sol".

El ingeniero, mirando el trabajo de Serov, admitió que esta chica se convirtió en su primer amor desde que la vio en la Galería Tretyakov.

Y el dueño de la casa sonrió con picardía y dijo: “¡Y esta niña es mi esposa!” Mirando más de cerca, el invitado vio esos mismos ojos que una vez habían golpeado su joven corazón.

Maria Simonovich murió en 1955 a la edad de 90 años.

Pero una de las obras más conmovedoras del artista es el retrato de Miki Morozov. La encantadora imagen del niño se ha convertido en uno de los mejores ejemplos de retratos infantiles en el arte ruso.

Источник текста на русском языке: Гулуса Басирова

Читать далее

Лев Юдин: «сказать – свое...»

Лев Юдин: «сказать – свое...»

   мая 20, 2021       departamento de ruso - eoi1 Zaragoza

---

Текущая выставка в Русском музее (13 мая—14 июня 2021)

Натюрморт. Кофейник, кувшин и сахарница. Середина 1930-х. Холст, масло.

Лев Юдин известен сегодня в большей мере благодаря принадлежности к кругу Малевича. Действительно, встреча с Учителем оказала «формообразующее» воздействие на его судьбу. Однако Юдин заслужил и собственное место в истории: он вырос в самостоятельного, глубокого и разностороннего мастера, которому удалось «сказать – свое» в искусстве. Это «свое» могло бы стать еще более выраженным. Однако некоторые из намеченных Львом Юдиным многообещающих творческих маршрутов (например, путь, близкий обэриутам, или движение в сторону сюрреализма) в связи с условиями, продиктованными временем, оборвались в самом начале. Жизнь художника оказалась короткой, а многие произведения были утрачены.

Кубизм. Начало 1920-х. Холст, масло.

В экспозиции нашли отражение все периоды развития мастера. Это кубистические и супрематические опыты, связанные с витебским Уновисом и ленинградским Гинхуком, «странная» графика конца 1920-х и гротескно-бытовая начала 1930-х, пластический реализм (с сюрреалистическими «поправками») живописных натюрмортов и пейзажей второй половины тридцатых, соединяющих умение «строить» со стремлением «переживать». Наконец, это свободный, раскрепощенный рисунок предвоенных лет, передающий непрерывность жизни и ее естественное течение.

Обложка журнала Чиж №12. 1930. Типографский оттиск.

На выставке представлены иллюстрации детских книг и журналов, резцовые гравюры, линогравюры, эскизы для парфюмерии, уникальные фотографии бумажной скульптуры и архивные материалы. В экспозицию включены произведения из государственных (Русский музей, Третьяковская галерея, Государственный музей «Царскосельская коллекция») и частных собраний.

ИСТОЧНИК ИНФОРМАЦИИ: Русский музей / Михайловский замок

Biografía:

Lev Yudín nació en Vitebsk en 1903, en su ciudad natal fue alumno del taller-escuela de Malévich y posteriormente estudió en el Instituto de Arte durante 4 años, dedicándose principalmente a la escultura. Participó en la formación de UNOVIS, el grupo liderado por Malévich cuya finalidad era explorar y desarrollar nuevos conceptos de arte como el suprematismo. La asociación produjo varios proyectos y exhibiciones que tuvieron una rápida repercusión tanto en Rusia como en Europa.

En 1922 se trasladó a Petrogrado donde continuó sus estudios y comenzó a participar en exposiciones.

A finales de los años 20 entró a formar parte del grupo autodenominado 'Realismo plástico-pictórico' que se mantuvo activo hasta finales de los años 30. Este grupo no tenía estatus oficial y la mayoría de sus integrantes provenían de UNOVIS. Se dedicaban a organizar exposiciones de las obras de sus componentes y posteriormente, acompañados de críticos de arte, realizaban charlas sobre las obras expuestas. 

Al comienzo de la Gran Guerra Patria, inició estudios militares cerca de Leningrado, desgraciadamente murió en su primera batalla en Noviembre de 1941.

«Cказать – свое...» es un libro que contiene los diarios y correspondencia de este artista que a su vez es analista de la obra de su maestro Malévich.

«Мне так хочется быть хоть мельчайшей звездочкой в НЕБЕ, чем важным звездочетом на башне. Ковылять своим маленьким путем, чем следить пути великих»                                                        Лев Юдин(1926)

Galería de obras:

«Кубизм». Конец 1910-х – начало 1920-х

Портрет мужчины в цилиндре.1931 г

«Пляж в Озерках». 1930-е. 

Читать далее

Dinastía Suvorov

Dinastía Suvorov

   июня 13, 2020       departamento de ruso - eoi1 Zaragoza

---

Olga Suvorova nació en Leningrado en 1966, es hija de los artistas Natalia e Igor Suvorov. En 1988, y siguiendo los pasos de sus padres, finalizó sus estudios en la prestigiosa Academia de Bellas Artes de Repin y comenzó a participar en exposiciones en Rusia y en el extranjero. Sus trabajos pueden encontrarse en colecciones privadas de Europa, América y Asia. 

Olga creó su propio estilo artístico; en sus cuadros destacan los personajes que, con una apariencia de nuestros días, parecen disfrazados de personajes barrocos, el rico cromatismo que se aprecia en sus composiciones trasmite una imagen alegre y evocadora. Su trabajo es la nostalgia del "Mundo de las Artes" por su retrospectiva barroca.

Commedia dell'arte

Personajes de la commedia dell'arte italiana son habituales en los cuadros de la artista: arlequines y colombinas le dan la oportunidad de demostrar su maestría recreando estampados, el efecto es armonioso por la combinación de colores y la proporcionalidad.

Bозвещение

Las figuras angelicales y los elementos religiosos son también temas recurrentes para Olga Suvorova, sus personajes no manifiestan emoción alguna, con rostros hermosos forman parte de un decorado lujoso que invita a la contemplación de una belleza imposible.

 Друзья

Flores, aves, frutas y tres hermosas jóvenes con bonitos vestidos profusamente adornados, parece que la vida se ha detenido para mostrarnos una imagen llena de preciosismo y dar la oportunidad al espectador de recrearse en todos los detalles del cuadro.

Mать и дочь

La pintora y su madre, la también artista plástica Natalia Suvorova. Los personajes permanecen ausentes unos de otros, ausentes de vida y ausentes de emociones.

👉Este enlace te permitirá conocer mejor su obra

El padre

Igor Suvorov es artista de Honor de Rusia y miembro de la Unión de Artistas. Nació en 1932 en Leningrado. En 1960 se graduó en el departamento de pintura en la Academia de Bellas Artes de Repin. En los años 1960-1970 se dedicó a la enseñanza en la Escuela Superior de Arte. 

El tema principal de su obra son los paisajes de San Petersburgo, el artista se ha mantenido fiel a lo largo de los años en el empeño de reflejar en sus pinturas las calles, puentes y monumentos de su ciudad. Otro tema que plasma en sus cuadros es la belleza intacta del norte: Karelia, los Urales del Norte, Ladoga o la región de Vologda.

Los canales de San Petersburgo, el Río Neva, una de las dos columna rostrales de la isla Vasilyevsky, son los paisajes de la ciudad de Igor Suvorov.

El estilo artístico, el tratamiento del color y los temas son muy diferentes en la obra del padre con respecto a la de su hija Olga.

La madre

Natalia Suvorova nació en Leningrado en 1941. Estudió en la Academia de Bellas Artes de dicha ciudad y se graduó en 1966 año del nacimiento de su hija Olga. Es miembro de la Unión de Artistas  y de la Academia de Artes y Ciencias de San Petersburgo desde 1973. 

Los veranos disfrutados en la dacha que la familia posee en Karelia, cerca de la frontera finlandesa, se reflejan en la obra de Natalia: el calor del verano, el color de las flores. Museos de todo el país cuentan con sus obras: el museo Pushkin de Moscú, el museo Surikov de Irkutsk, la galería de arte de Volgogrado o el Palacio de Cultura de San Petersburgo.

Paisajes de verano 

Samovar entre las flores y bodegón con samovar 

La más joven de la saga Suvorov es Ekaterina, nació en 1988 en Leningrado, y estudia en la Academia de Artes de San Petersburgo en el departamento de restauración.

"Lilas" de Ekaterina Suvorova

Читать далее